En 1892 los Lumière comenzaron a trabajar en nuevos aparatos para reproducir el movimiento, o sea, crear fotografías secuenciadas rápidamente que reproduzcan el movimiento en tiempo real.
Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en el efecto de la persistencia retiniana de las imágenes sobre el ojo humano.
El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional la conocida “La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir” (Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir), rodada tres días antes.
The Great Train Robbery (Asalto y robo de un tren). 1903. Dirigida por Edwin S. Porter
Doce planos y diez minutos se necesitaron para hacer de esta película el primer western de la historia. Basado en un hecho famoso y novelizado, un clásico robo a un tren del viejo oeste, el film narra en tiempo y forma justa una historia de aventuras y final dramático.
Actuaciones casi teatrales, cámara fija más algunos planos y realizaciones en una sola toma. Asalto y robo… es una muestra de la llegada del cine narrativo, contando historias novelísticas y transportarnos a nuevos mundos, desde las técnicas más simples.
Básicamente cuatro ladrones trazan un plan para robar un tren, y en una escena tras otra se van mostrando las partes de dicho plan. El asalto a una estación de telégrafos para poder detener el ferrocarril, la entrada al tren, el saqueo a los viajeros y finalmente su huída y persecución, que conducen al final.
Ladrones de sangre fría, disparos a la cámara, aventura y acción, todo eso en uno de los primero filmes narrativos, justamente uno de los inicios de este nuevo método de narración.
ESTRUCTURA DEL FILM (sacado de wikipedia)
Secuencia 1 (toma única, plano general). Oficina del ferrocarril. Unos ladrones sorprenden al radiotelegrafista, lo atan, lo dejan en el suelo y se marchan.
Sec. 2 (toma única, plano general con ligera panorámica de reencuadre a la derecha). Detrás del depósito de agua que sirve para alimentar la máquina se esconden los ladrones, llega el tren, se provee de agua y los ladrones suben.
Sec. 3 (toma única, plano general y uso de fuera de campo). En el interior de uno de los vagones, un empleado escucha el ruido de los ladrones, trata de impedir el robo cuando aquéllos irrumpen disparando sus armas, lo hieren y cae al suelo. Intentan abrir la caja y no pueden. Colocan un explosivo y salen del encuadre. La caja se abre tras la explosión y se hacen con el botín.
Sec. 4. Plano A. El tren se ha parado y los ladrones dan instrucciones al maquinista para que separe la locomotora del resto del convoy. Plano B. Los viajeros descienden de los ladrones y se colocan en las vías con las manos en alto; los atracadores van robando sus pertenencias. Uno de los viajeros intenta huir corriendo, pero cae abatido por los disparos de los ladrones. Plano C. Los ladrones llegan a la máquina, que se pone en marcha y abandona el lugar.
Sec. 5. Plano A (plano general y ligera panorámica a la izquierda). El tren para, se apean los ladrones y bajan por un terraplén en dirección a un bosque. Plano B (plano general y panorámica a la izquierda). En el bosque se acercan los ladrones, atraviesan un arroyo y llegan hasta los caballos.
Sec. 6. Plano A (plano general). En la oficina, el radiotelegrafista trata de incorporarse para dar la voz de alarma, pero cae al suelo. Llega una niña, lo intenta reanimar y desatar. Plano B (plano general). En un local se celebra un baile de estilo country. Llega el radiotelegrafista, avisa del atraco y salen los hombres corriendo.
Sec. 7 (toma única, plano general). En un camino en medio del bosque los atracadores huyen perseguidos por otros hombres; se intercambian disparos.
Sec. 8 (toma única, plano general). Los ladrones están repartiéndose el botín cuando son sorprendidos por sus perseguidores; se produce un tiroteo y los ladrones mueren.
Le Voyage Dans la Lune (viaje a luna) 1902. Dirigida por George Méliès.
Hay un congreso de científicos en el que el profesor B. (el propio Méléis) convence a sus colegas de que se puede realizar un viaje a la luna. Se acepta el proyecto y un grupo de personas son enviadas al espacio en un cohete. Al llegar a su destino se encuentran con los malvados habitantes lunares, pero logran escapar, volviendo a al planeta y cayendo al mar. Exploran el mar y sus espectáculos hasta que son rescatados, volviendo a París como héroes.
“El PRIMER LARGOMETRAGE” es una innovación en un cine que solo mostraba cortos de 3 o 5 minutos. Viaje a la Luna, con 14 minutos, es casi la primera película. Contada con un aire teatral, historia surrealista con mezcla de ciencia ficción e historia lineal; el film marca justamente el inicio de la “ficción imaginativa dentro del cine” la capacidad para contar cualquier historia y hacerla real gracias a la pantalla.
Méléis hace un trabajo excepcional y entusiasta al ser el mismo el director, productor, diseñador de vestuario, actor, guionista y director de fotografía de la obra. Aprovechando nuevas técnicas cinematográficas, como el fundido, la sobre impresión, y la practica de montaje; la película fue totalmente innovadora. Toda una pionera y precursora en el cine.
Resumidamente el film cuenta la historia de dos familias enfrentadas, divididas por diferencias étnicas y la guerra civil. Pero la propia narración va mucho más allá de la historia ficticia, es una película histórica determinada por el racismo.
La primera parte esta basada antes de la guerra de Secesión y explica la introducción de la esclavitud en Estados Unidos, la nación queda dividida a causa de la guerra, se muestra a los esclavos y a los abolicionistas como la fuerza destructora que impulsa los acontecimientos.
La verdadera manifestación del racismo aparece en la segunda mitad del film. Luego de la guerra, se cuenta el asenso del Ku Klux Klan (quienes terminan como los verdaderos héroes de la película) Se crea un clima que emociona y perturba al mismo tiempo.
El nacimiento… es una obra clave en la historia del cine, ya que Griffith utilizo todos los elementos hasta el momento desarrollados, además de incluir una de las primeras narraciones lineales, históricas y épicas. Demostró que se puede tener (en cines al menos) al espectador por casi 3 horas y que este comprenda lo que sucede, porque, llegue a una conclusión, se entretenga y aprenda algo… aunque sea sobre racismo, la supuesta superioridad de la raza blanca y la discriminación en general.
Vivre sa vie (vivir su vida). 1962. dirigida por Jean-Luc Godard.
Nana (protagonizada por Anna Karina, esposa del director) deseosa de ser actriz, deja su vida convencional como esposa y madre. Para mantenerse trabaja en una tienda de discos en donde no gana lo suficiente, por lo que la necesidad la impulsa a trabajar de prostituta; allí conocerá a un proxeneta que le explicara ese vertiginoso mundo.
El film está contado en 12 capítulos filmados casi completamente en plano secuencia, con la excepción de la narración y yuxtaposición del capitulo referido a los “códigos” de la prostitución, narrados por el proxeneta. Destaca la narración continua y lineal del film, todo basado en la historia de Nana, tomándola como casi única protagonista del film. Su dramatismo es logrado no por la historia de una prostituta joven, sino por sus reacciones ante las situaciones, como el film “La Pasión de Juana de arco” o una charla filosofal.
Casi indiferente, sin importancia por las situaciones, el film avanza con la protagonista. La historia es tan lineal como la fotografía y la filmación de la misma, todo avanza imparable hacia el trágico final, casi inesperado.
En el trasfondo de la película encontramos no solo el sub-mundo de la prostitución, sino también los cafés de Paris, la música Pop, mujeres Pin Up, fotografía, carteles luminosos, mundo consumista, bares con luces de neón, gangsters y la novedad como temática estético.
Es casi una película perfecta por tener una historia sencilla pero contada con una naturalidad que desespera, una actriz que arrolla con su papel y una fotografía que acompaña a la perfección cada momento de la historia, incluso (digan lo que digan) el final.
Broken Blossoms (Lirios rotos/ La culpa ajena) 1919. D.W. Griffith.
El hombre amarillo se traslada desde China hasta Londres para comercializar y difundir su cultura “budista”, pero se encuentra con la dura realidad de la ciudad y los barrios bajos. Mientras tanto, la hija indeseada de un explotador boxeador de poca monta, sufre la miseria y desdicha de su atroz vida. La tensión de lo cotidiano y lo extraordinariamente cruel y patético es lo que realmente simboliza esta película.
La película esta plasmada como una obra de arte en cuanto a la fotografía y el relato “lineal”. Se destaca el “Estilo Blando”, todas aquellas las técnicas fotográficas para conseguir el alto detalle de la historia. Métodos de maquillaje, instrumentos de iluminación, aceite para lentes, luces y sombras artificiales para resaltar desde los fondos lúgubres hasta los rostros iluminados de los personajes.
La belleza estética de Lirios rotos es asombrosa, los personajes se mueven por un paisaje suburbano de niebla, muelles tétricos, callejones y sobre todo; la casa/habitación de Lucy y su padre. La utilización de maquillaje y luz/sombra sobre el triste rostro de Lillian Gish serán siempre recordados en el mundo del cine, por su asombroso trabajo fotográfico y la calidez que resumen de una historia sencilla en un plano dramático, ya conocido en el mundo de lo literal.
Las pocas frases de la película son elementos tan gráficos como el mismo látigo con el que el boxeador castiga a su hija, de estas yo destaco el consejo de la mujer casada a Lucy “hagas lo que hagas, no te cases” y el consejo de las prostitutas para Lucy “hagas lo que hagas, no hagas la calle”.
Para descargar: Audio: Película sin dialogo sonoro, pero con cuadros de texto subtitulados al español Calidad: Colorizada, Muy buena. Formato AVI http://www.megaupload.com/?d=2390I3YI http://www.megaupload.com/?d=G03ER51M http://www.megaupload.com/?d=7D14LPN6 http://www.megaupload.com/?d=0807N3OH http://www.megaupload.com/?d=77CVKI61 http://www.megaupload.com/?d=ECX0KPXA http://www.megaupload.com/?d=UU6U4MLU http://www.megaupload.com/?d=J2IN864N http://www.megaupload.com/?d=RB1JZBRJ
American Pop es el relato de la música popular americana contada a través de cuatro generaciones de la misma familia. Comenzando a finales del siglo XIX y llegando hasta 1980. Estas 4 historias protagonizadas por antihéroes musicales recorrerán la historia norteamericana siempre con la música como hilo conductor mostrando, la evolución temática de esta, pasando por la música de cabaret, el jazz, el bebop, el folk, los beatnicks, hippies, rock progresivo, punk…etc.
Versionando temas originales compuestos por Greshwin, Cole Porter, Hancock, Ray Evans, Jimmy Webb, Sam Cooke, Charlie Parker, Bob Dylan, Mamas and the Papas, los Doors, Hendrix, Jefferson Airplane, The Velvet Underground, entre otros.
El director Ralph Bakshi crea una atmósfera dramática con personajes totalmente plasmados en su época, cada protagonista es un claro reflejo de la idea social y política de su tiempo, cada generación presente volverá a los comienzos de la anterior para retomar ese vuelo musical; pero transformándolo en una manera de expresarse a si mismos y a la sociedad de esa época. ESO es lo genial de está película (para mi la mejor de Bakshi) justamente que logre plasmar con muy buen detalle toda la cultura musical del siglo XX en cuatro historias, unidas pero diferentes, y en una enorme lista de canciones hermosas.
Además, la película es grabada con rotoscopio, o sea que fue actuada por actores reales sobre un fondo neutro, luego pintado y decorado por artistas gráficos cuadro por cuadro, lo que le da un detalle realistico en los movimientos de cada personajes, mucho antes de que existiera la animación digital.
Aunque es verdad que uno debe de tener bastante conocimiento sobre cultura general e historia social (sobre todo de USA) La película de puede disfrutar de todas maneras y es una gran recomendación para todos los amantes de la música en general.
Trivia!
- El Film contiene escenas filmadas con rotosporio, escenas con rollo fílmico real, escenas de foto-montage, rollo fílmico documental real, actuaciones reales y ficticias.
- Lou Reed pone su voz a más de un personaje.
TRAILER
DESCARGA:
Idoma: Ingles
Calidad: Muy buena
Unir con el HJ Split (lo bajan de cualquier sitio)
M, el vampiro de Düsseldorf, 1931. Dirigida por Fritz Lang
En la ciudad alemana de Dusseldorf un asesino de niños ronda las calles. Estas desapariciones sin respuesta aparente tienen en alerta constante a la policía local, por lo que se decide aumentar la vigilancia en la ciudad y colocar un toque de queda para la población. Esto obviamente trae problemas para la mafia y el resto de las organizaciones criminales locales, por lo que deciden unirse a los aterrados pobladores de la ciudad y alzarse por enzima de la ley, capturando y dando juicio de sus al supuesto asesino de niños. Todo colmara en un juicio público en el sótano de un almacén, con todos los maestros del crimen, las familias de las victimas y la población enfurecida.
Hacia un año que se había implementado el cine sonoro, por lo que en Hollywood ya se había superado la sincronización del sonido con la imagen (al menos bastante aceptable) y por ese entonces se consideraba a los musicales y las obras de teatro adaptadas lo mejor para este tipo de cine. Con la llegada de M, una de las ultimas obras de Lang, se genera una novela negra (basada en un echo real), un policial que no solo es ooooootra referencia al levantamiento de las masas (masas alemanas sobre todo), sino que también nos transporta a enormes escenarios.
Con gritos de calle a calle, la melodía del silbido del asesino, los gritos desesperados de las victimas y sus parientes; y sobre todo la gran final de un pueblo enardecido y deseosos de venganza. El asesino, alegando locura y demostrándola claramente, se sumergirá en un monologo explicatorio sobre sus crímenes, que nos muestra (en una de nuestras primeras experiencias de esto en el cine) no solo la emoción a través de la palabra actuada-grabada-reproducida, sino la capacidad de transmitir empatía por este medio artifial.
TRIVIA:
-Fue la primera película sonora de Lang.
-Es otra clara muestra de la potencia por enzima del estado que pueden general las masas de la población unidas por una causa. Una temática muy popular de principio de siglo XX
-El asesino, interpretado por Peer Gynt marcaría la carrera de este como un villano de la historia del cine. Y la melodía que silba no es producto de su voz, sino del mismo director Lang, ya que Gynt no sabía silbar muy bien.
Version ONLINE:
completa y con idioma original, pero subtitulada en INGLES
Un abogado llamado Renfield viaja hasta Transilvania para contactar con el conde Drácula y terminar el papeleo para la adquisición una abadía en Inglaterra por parte de este.
Pero al ser atacado por el Conde, Renfield queda bajo su control y juntos viajan a Inglaterra, en donde Drácula comienza la búsqueda de una joven llamada Mina y su subordinado es trasladado a un hospital psiquiátrico.
Mientras tanto, el recién llegado Doctor Van Helsing cree sospechar que las enfermedades y plagas que azotan a la ciudad son causadas por un ser demoníaco, un vampiro y sospecha que el Conde Drácula es este mismo engendro.
La segunda de las películas basadas en el libro de Bram Stoker y la primera en la que se introduce el personaje del Conde Drácula, el primer vampiro, el personaje tan gastado y con mil formas. En esta entrega se lo muestra como un elegante Conde de la nobleza, dueño no solo de fortuna y encantos para las señoritas, sino también de poderes sobrenaturales como hipnosis y transformación, lo que daría lugar a nuevos efectos especiales en la historia del cine; y particularmente el cine de terror.
El film es mundialmente conocido, hasta tubo su versión española filmada en el mismo año y casi literal. Además, es la primera película interpretada por el maestro Bela Lugosi.
Resalta sobre todo el trabajado efecto de maquillaje y vestimenta en los personajes, además de la dirección de fotografía que sabe exactamente donde colocar una luz y donde una sombra. Además de la estenografía que también es un lujo.
Nosferatu, una sinfonía del horror. 1922, dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau.
Un empleado inmobiliario llamado Thomas Hutter debe visitar el castillo del Conde Orlok, quien acaba de adquirir una propiedad en Londres. Se traslada a una lejana tierra de Europa del este, en donde descubre que todos los aldeanos temen al Conde, ya que parece estar rodeado de misterio, cosa que Thomas toma como superstición. Pero al conocer al verdadero Conde y revelar que este es un ser demoníaco, ya no podrá hacer nada, esta preso bajo su poder y perderá poco a poco la cordura.
Mientras tanto, la prometida de Thomas espera su regreso en Gran Bretaña, pero este no volverá solo, ya que el Conde Orlok arribara también a la gran isla, trayendo con él plagas, muertes, desapariciones y otros eventos sobrenaturales.
Nosferatu (que quiere decir algo así como “llevar enfermedades”) es muchas cosas: Empezando porque se trata de la primera película del genero terror de la historia, o sea, la puerta a todo el genero más comercializado de la industria del cine actual! Y no solo eso, Nosferatu es también un plagio!! Para no pagar los derechos de autor sobre la obra de Bram Stoker el director rodó una historia muuuuy similar, cambiando los nombres de los protagonistas y algunos acontecimientos originales de la novela de Stoker.
Después de su estreno en algunos cines, un juicio fue llevado a cabo para recuperar la originalidad del relato de la novela y demandar a F.W. Murnau, por lo que se mando a destruir todas las copias de la cinta. Pero ya era demasiado tarde, otras copias habían sido distribuidas por cines de todo el mundo y estas fueron guardadas en bóvedas subterráneas (nah, en bóvedas no) hasta que el pobre viejo de Bram S. murio.
Por fortuna, la película se conserva casi intacta y ahora es de dominio público. La alteración de los colores y otros factores del cine de época son solo detalles a la hora de ver esta obra de arte, llena de verdadero terror, intriga, cero sangre pero con unas grandes ansias empezar a fundar el camino de lo que es hoy todo el cine de horror.
Pelicula Online: Idioma original+subt. (está en youtube por lo que hay que ir cargando de a partes, pero esta entera y con buena calidad)
En una ciudad futurista e industrializada, los obreros trabajan arduas jornadas por una vida miserable, pero este inconstante trabajo mantiene en funcionamiento la ciudad llena de luz y esplendor que allá arriba, disfrutada por los aristócratas, burgueses y resto de la gente de poder. El mismo hijo del dirigente de la ciudad se enamorara de una chica humilde, y cuando un androide (disfrazado de esta chica) lleve a los explotados obreros a la revolución y la huelga, ellos son la única esperanza para rescatar la ciudad y lograr un acuerdo entre las dos clases sociales.
Metrópolis es la obra cumbre del Expresionismo Alemán. Otra vez vemos plasmada la temática de la clase obrera reprimida por un inhumano trabajo a merced de los burgueses y los capitalistas. Precursora y surrealista, las imágenes hablan por la película, que no cuenta con diálogos sonoros. El resultado es un sin fin de cuadros e imágenes que se te quedan en la memoria; como los obreros trabajando sin pasar en relejes imposibles, el androide o el agua entrando sin parar en la ciudad subterránea.
El film es un adelantado a la época, sirve como precursora de todo el tema de la explotación de la industria para el bienestar de la burguesía, el control de las maquinas sobre la población y esa idea que pasada la época de destrucción, ahora podremos crear un mañana mejor a base del entendimiento, la razón y la justicia.
A pesar de que la historia hoy parece gastada (incluso en su época la revolución obrera era un tema ya mencionado mucho en el cine) y el guión cuenta con muchos agüeros. Metrópolis es sin duda una pieza clave en la historia del cine, la literatura, el arte y la historia mundial.
TRIVIA!
-En su momento, fue un film muy popular entre los nazis
-En el 2008 se encontró en el museo del cine de buenos aires una copia con material que se creía perdido para siempre.
-Muchos músicos y bandas conocidas han hecho canciones o video clips con imágenes de esta película. Entre ellos: Queen, System of a down, Madonna y NiN.
